예술과 예술가의 삶에서 배우는 32가지 통찰

예술의 쓸모 - 시대를 읽고 기회를 창조하는 32가지 통찰
강은진 지음 / 다산초당(다산북스) / 2020년 9월

보통 예술은 그 자체가 목적이라고 생각하는 경향이 있어 예술을 수단으로 여기는 건 예술을 대하는

제대로 된 자세가 아니라고 생각할 수도 있지만 예술이 여러 분야에서 활용되고 있는 것도 부인할 수 

없는 사실이다. 그래서 이 책에서 대놓고 예술의 쓸모를 얘기한다고 하니 좀 불편한 마음이 드는 사람이

있을 수도 있겠지만 오히려 예술의 영역을 확장한다는 측면에서 생각하면 바람직한 방향이라고 느껴

지기도 하는데 이 책에서 저자는 예술과 예술가의 삶에서 배울 수 있는 32가지의 통찰을 소개한다.

'우리가 예술을 통해 얻을 수 있는 것', '시대를 매혹한 스마트한 전략가들', '예술은 어떻게 브랜드가

되는가', '어디까지 예술이 될 수 있을까', '예술이 가르쳐준 삶의 자세'까지 총 5부에 걸쳐 예술과 

예술가의 삶을 통해 자기 마음을 마주하고, 당연한 문제를 해결할 아이디어를 얻으며, 세상을 매혹한

창조적 전략을 배울 수 있도록 안내한다. 먼저 예술에서 얻을 수 있는 여섯 가지 가치로는 가치 있는

것을 알아보는 심미안, 감정을 위로하는 카타르시스, 감각의 확장과 욕망의 이해, 창조성, 통찰을 

제시한다. 운동을 하면 근력이 좋아지는 것처럼 예술을 감상하면 자연스레 심미안이 좋아진다면서

심미안이 있는 사람은 보통 사람들이 무의미하다고 지나치는 많은 것에서 가치와 아름다움을 발견할

수 있어 일상을 훨씬 더 아름답게 바라볼 수 있다고 말한다. 카타르시스와 관련해선 '예술은 우리 영혼에

묻은 일상생활의 먼지를 씻어준다'는 파블로 피카소의 말을 인용하는데, 에드워드 호퍼의 '밤을 새우는

사람들'을 감상하며 마음속에 켜켜이 쌓인 묵은 감정이 깨끗이 정화되는 카타르시스를 맛보게 해준다.

이렇게 예술은 감각을 넓혀 디테일에 주목하게 하고, 인간의 욕망을 이해하는 법을 알려주는 동시에

창조력과 통찰력을 키워주는데, 2부에선 호가스, 다비드, 루벤스 등 시대정신을 읽고, 위기를 기회로

삼으며, 고객에게 감동을 선사한 예술가들의 삶을 보여준다. 당대의 시대정신을 꿰뚫은 '유행에 따른

결혼' 등을 통해 고객들의 니즈를 정확하게 포착해 스마트한 포지셔닝 전략으로 성공한 윌리엄 호가스, 루이 16세의 국비장학생에서 혁명가 로베스피에르의 친구였다가 황제 나폴레옹의 예술가로 변신을

거듭하며 격동기의 프랑스에서 항상 최고 권력자 곁에 있었던 자크 루이 다비드, 지난 유럽 여행때

갔던 미술관마다 상당수의 작품들을 보여줬고 기대치를 넘는 감동을 선사하는 고객 만족 작품들로 

한 시대를 풍미했던 루벤스 등 자신만의 독특한 무기를 통해 당대 최고의 화가가 된 인물들의 열전을

만날 수 있었다.

3부에선 고흐, 페르메이르, 무하, 마이센 도자기 등을 통해 캐릭터 마케팅과 스토리의 힘, 네트워킹과

열정이 이들을 시공간을 뛰어넘어 오랫동안 사랑받게 만든 비법임을 보여준다. 특히 생전에 겨우 한

작품만 팔았던 고흐가 현재의 명성을 누리게 된 것이 고흐의 동생 테오의 아내였던 요한나가 적극적인

홍보에 나선 결과임을 새롭게 알게 되었다. 4부에선 로스코, 칸딘스키, 마그리트 등 현대미술가와

현대 건축가 프랭크 게리, 중세 태피스트리까지 다양한 예술을 통해 다채로운 욕망을, 5부에선 예술이

삶을 대하는 자세를 주제로, 평생 죽음을 두려워했음에도 '키스' 같은 황홀한 삶의 순간을 표현한 

작품을 남긴 클림트, 아무도 관심 없었던 무대 뒤를 주목한 드가, 문명을 버리고 야생의 힘에 도취된

비운의 화가였으면서 어떤 삶을 선택할지 질문을 던진 고갱 등을 통해 어떻게 살아갈 것인지에 대한

조언을 해준다. 이 책에서 저자는 무려 32가지나 되는 예술의 쓸모를 소개하고 있지만 예술은 굳이 

특별한 쓸모가 아니어도 그 존재 자체만으로도 의미가 있지 않나 싶다. 여러 예술가들의 다양한 예술

작품들을 만나면서 예술의 매력에 흠뻑 빠질 수 있었던 시간이었는데 우리의 삶에 있어 예술이 어떤

역할과 의미를 가지는지를 잘 보여준 책이었다. 

미술 작품을 감상하는 데 필요한 기본 지식과 자세 등을 잘 알려주는 미술 교양서

내 손 안의 교양 미술
펑쯔카이 지음, 박지수 옮김 / 올댓북스 / 2020년 8월

학교 다닐 때는 미술을 그리 좋아하지 않았다. 별다른 재능이 있지도 않고 그림 등 미술 작업 자체가

재미 있지도 않아 별로 관심이 없었는데 언젠가부터 그림 보는 재미에 빠지기 시작했다. 생각해 보면

학교 다닐 때 미술 시간에 제대로 감상하는 것을 배운 적도 없고 그냥 미술 사조의 변천만 암기해야

해서 미술이 더 재미가 없었던 것 같은데 화가나 작품들에 대한 사연들을 알면서 그림을 보니 그동안

몰랐던 그림들의 의미가 새롭게 와닿았고 화가나 작품들을 하나씩 알아가면서 꼬리를 물며 관련된

작가나 그림들을 찾아보게 된 것 같다. 하지만 여전히 제대로 된 기초가 없는 상태에서 미술을 감상

하다 보니 좀 한계가 느껴지기도 하던 차에 명화감상에 참고가 될 만한 이 책과 만나게 되었다.

이 책은 '명화를 감상하기 전에', '예술 생활 즐기기', '회화의 기법', '화가와 명화 이야기', '서양 

미술사의 이해'라는 다섯 파트로 구성되어 있는데 대부분 평이하면서도 명화감상에 필요한 지식들이

담겨져 있었다. 순수 미술에서 그림의 본질은 '아름다움'으로 그림의 주된 목적은 '눈을 즐겁게 한다'는

것으로 예술품을 창작하거나 감상하면서 우리는 자유와 순수함이라는 두 가지 즐거움을 얻을 수 있다고 

말한다. 그림 감상과 관련해선 '마음속의 렌즈'를 통해 감상하라면서 그림 감상에 있어 쉽게 저지르는 

세 가지 오류로 '무엇을 그렸느냐에 집착하는 것', '그림에 표현된 의미에 집착하는 것', '거창한 비평을 

늘어놓는 것'이라고 얘기한다. 특히 동양화에 대비한 서양화의 특징으로 경계를 나타내는 선을 그리지 

않아 실물과 굉장히 유사하고 투시법과 해부학을 굉장히 중시하며, 화면을 꽉 채워 여백을 남기지 

않고, 서양화의 화면은 대부분 황금 비율을 따르고 있다고 한다. 이렇게 19세기 이전까지는 서양 화풍과 

동양 화풍이 완전히 달랐다가 19세기 말 이후 폴 세잔, 빈센트 반 고흐 등이 동양 회화의 영향을 받아 

주관적 요소를 가미하기 시작하면서 점차 융합되는 형태가 나타나기 시작했다고 한다. 예술적 안목을 

기르는 방법으로 끊임없는 연습, 예술적 감각 기르기, 자연 관찰, 그리기 연습, 명작 감상, 독서와 

여행을 통한 안목 기르기를 제시한다. 이렇게 이 책을 읽다 보니 그동안 모르고 지나쳤던 부분들에 

대해 새롭게 인식하게 되었는데 아무래도 이론적인 부분들이라 약간 지루한 감이 있었지만 파트 4

부터는 화가와 명화, 서양 미술사의 큰 흐름을 다루고 있어 훨씬 흥미진진하게 볼 수 있었다. 시대를 

앞서갔던 밀레를 시작으로 들라크루아와 쿠르베, 휘슬러, 터너, 앵그르, 렘브란트, 에이크 형제, 

레오나르도 다 빈치 등 대표적인 인물들과 작품을 소개한 후 르네상스 시대부터 다다이즘까지의 서양 

미술 사조의 변천사를 깔끔하게 정리하고 있다. 사실 사조는 비슷비슷한 경우가 많아 헷갈리는 경우가 

많은데 대표적인 화가와 작품들을 통해 핵심적인 특징을 요약해서 알려주니 나름 각 사조를 이해하는 

데 도움이 되었다. 분량이 많지 않으면서도 여러 유명 작품들이 컬러로 수록되어 있어 명화 감상의 

즐거움도 맛볼 수 있는 책이어서 미술 교양서로서의 역할을 하기에 충분했다.

예술과 인문학의 쉽지 않은 만남

예술은 우리를 꿈꾼다 - 예술적 인문학 그리고 통찰 : 심화 편
임상빈 지음 / 마로니에북스 / 2020년 7월

미술 관련한 책들을 즐겨 읽다 보니 미술만 다룬 책들은 물론 다른 분야와의 통섭적 시도를 하는 책들도

종종 만나곤 한다. 이 책도 미술을 바탕으로 하여 저자의 여러 지식과 경험을 인문학적으로 연결시켜

다양한 얘기들을 들려주고 있는데, 사실 미술작품 자체의 감상을 좀 더 기대했지만 예상보다 상당히

철학적인 논의들을 다루고 있어 녹록하진 않았다.

'예술적 욕구', '예술적 인식', '예술적 도구', '예술적 모양', '예술적 전시', '예술적 기호'까지 총 6개의

주제로 예술의 다양한 면모들을 탐색하는데, 솔직히 그동안 잘 생각하지 못했던 측면들이 많아 좀 생소

하면서도 새로운 관점들을 만나볼 수 있었다. 먼저 '예술적 욕구'에서는 매혹(끈다)을 핵심 키워드로 

해서 전시(보여준다), 재현(드러낸다), 표현(튄다)의 예술의 여러 방식을 보여주었다. 중간중간 관련된

그림들을 소개하면서 설명을 해주는데, 특히 알렉스(아마 저자의 아내?)와의 티격태격하는 대화를 

통해 전하고자 하는 의미를 좀 더 쉽게 전달하는 것 같았다. '매력'은 딱히 목적이 없어도 그냥 즐길 

수 있는 것이고, '유혹'은 분명한 목적으로 가지고 사람을 기만하는 것이며, '전시'가 '연예인'의 쇼

케이스라면 '예술 감상'은 그 공사 행사 이후에 그 '연예인'이랑 밤새고 예술에 대해 진지하게 대화하는

거라는 등 저자 나름의 독특한 풀이가 인상적이었다. '예술적 인식'에서는 착각의 마술, 투사의 마술,

관념의 마술이라면서 예술을 각각 환영, 뇌, 정치라고 얘기한다. '색안경'이 개인의 습관이라면 

'색깔론'은 사회적인 통념, 혹은 '색안경'이 사람마다 다른 개인적인 패션이라면 '색깔론'은 집단적으로 

입어야 하는 제복에 비유하고, 남반부가 위로 오고 호주가 중심에 있는 호주 학자 스튜어트 맥아더가 

고안한 세계지도처럼 어떤 관점에서 바라보느냐에 따라 세상이 완전히 달리 보일 수 있음을 잘 알려

주었다. '예술적 도구'편에선 화구, 미디어, 재료에 대한 얘기를 늘어놓는데 사실 작품만 늘 생각했지 

어떤 도구로 어떻게 만들어졌는지에 대해 관심이 없었다가 그 중요함을 깨닫게되었다. '예술적 

모양'에선 작품을 구성하는 네 가지 핵심 요소인 형태, 색채, 촉감, 빛을 다루는데, 르네상스 삼총사인 

레오나르도 다빈치의 스푸마토(대기원근법을 바탕으로 형태의 외곽선을 흐리기), 미켈란젤로의 

칸지안티스모(어두운 영역의 채도를 상대적으로 높게 칠하기), 라파엘로의 유니오네(스푸마토와 

칸지안티스모의 절충)와 키아로스쿠로(빛과 그림자의 대조를 극대화함)의 4대 원리 등 다양한 기법들을 

알 수 있었다. '예술적 전시'에선 구성, 장소, 융합을 다루는데, 좋은 예술가는 파격적이 되어서 역사적

으로 중요했던 세 가지 시도로 '가치법', '반원근법', '복합시공법'을 드는 등 다양한 예술적 시도들을 

소개한다. 마지막으로 '예술적 기호'에선 예술을 어떻게 읽을 것인지와 관련해 식상, 추상, 표상의 

세 가지 키워드로 예술의 이해를 돕고 있다. 아무래도 전문적인 내용들이 적지 않다 보니 쉽진 않은 

책이었는데 그냥 일반인의 관점에서 막연히 작품을 감상하는 것에 비해 이 책에서 알려준 다양한 

지식들을 제대로 소화만 한다면 훨씬 다채로운 관점에서 많은 걸 보고 느낄 수 있음을 가르쳐준 책이었다.

아이가 미술에 친해지게 하는 방법과 아이의 눈높이로 그림을 감상하는 방법을 가르쳐주는 책

아이와 미술에 대해 이야기하는 법 - 어른과 아이가 함께 배우는 교양 미술
프랑수아즈 바르브 갈 지음, 박소현 옮김 / 동양북스(동양문고) / 2020년 7월

예전에는 미술에 대해 난해하다는 선입견이 있어서 그다지 흥미가 없었는데 어느 순간부터 미술

작품들을 보는 재미에 빠져 미술 관련 책들을 꾸준히 보았고 유럽에 갔을 때 여러 미술관까지 들러서

미술은 확실히 나의 관심분야가 되었다. 하지만 여전히 미술작품들을 제대로 감상하는 데에는 뭔가

부족함을 느끼곤 하는데 이 책은 아이와 미술에 대해 얘기할 정도로 쉬우면서도 여러 작품들을 감상할

수 있는 좋은 기회를 줄 거라 기대가 되었다.  

총 2부로 구성되어 있는데 1부에서는 미술을 보는 안목을 기르는 법을, 2부에서는 아이와 함께하는 

미술 산책으로 되어 있다. 먼저 1부는 아이와 함께 미술을 감상하는 법을 구체적으로 소개하고 있는데

아무래도 아이의 눈높이에 맞춰야 해서 그리 녹록하지 않았다. 미술작품에 대해 누군가에게 설명하는

것 자체도 쉽지 않은데 아이에게 설명해야 한다면 정말 어떻게 해야 할지 감이 오질 않지만 이 책에선

아이가 무엇을 보고 있는지 살펴보고, 아이가 주도하게 하며, 아이의 태도에 익숙해지고, 아이의 

현실을 파악하라는 등 현실적인 조언들을 들려준다. 미술을 알기 쉽게 설명하기 위해선 견문을 넓히고

유용한 정보부터 찾아보며, 지적 자극제를 기록해 두고, 자기만의 언어로 설명하며 생생하게 전달하라는

등 여러 가지 유용한 방법들을 알려준다. 미술을 대하는 아홉 가지 방식, 그림을 보는 열세 가지 방법,

그림에 다가가는 네 가지 방법 등 미술에 대한 다양한 방법론을 설명한 후 아이의 연령대를 5~7세, 

8~10세, 11~13세 이상으로 구분해 연령별 맞춤 감상법을 소개한다. 5~7세는 여러 그림을 모아서 

설명하는 방식을, 8~10세는 아이에게 그림 속에 있는 모습을 상상하도록 유도하고, 11~13세는 각 화가별 특징을 소개하는 등의 방식을 알려준다. 사실 1부는 아이도 없고 이론적인 내용이라 좀 지루한

느낌이 들었는데 2부에서 본격적으로 여러 화가들의 그림을 감상하면서 앞에서 배운 내용들을 활용해

작품을 설명한다. 각 작품마다 5~7세, 8~10세, 11~13세 아이의 눈높에에서 나올 만한 질문과 이에 

대한 대답을 수록해놓고 있는데 그동안 작품들을 대충봐서 그런지 아이들이 이렇게 꼼꼼하게 관심을 

갖고 질문을 할 수 있다는 설정 자체가 놀라웠다. 보통 그림을 볼 때 전체적인 인상에만 초점을 맞추고

세부적인 부분들은 그다지 눈여겨보지 않았는데 아이들의 눈으로 보면 이렇게도 볼 수 있겠구나, 이런

부분들이 궁금할 수 있겠구나 하는 사실을 알 수 있었고 질문들에 대한 대답을 통해 그림에 대한 이해를

훨씬 높일 수 있었다. 소개된 그림들도 니콜라 푸생의 '세월이라는 음악의 춤', 장 밥티스트 그뢰즈의

'벌 받는 아들', 존 에버렛 밀레이의 '눈먼 소녀' 등 생소한 작품들이 대부분이어서 다양한 작품들을

제대로 감상할 수 있는 시간도 되었는데 그동안 나름 미술책을 본다고 했지만 아이의 눈높이에도 

미치지 못함을 절실히 깨닫게 되었다. 미술을 지식으로만 접근하다 보니 작품에 대한 이해가 부족했던

것 같은데 이 책을 계기로 미술작품을 감상할 때 구석구석을 충실하게 관심을 갖고 보도록 노력해야

할 것 같다.      

미술사에서 소외되었던 여성 미술가들의 활약상을 재조명한 책

싸우는 여성들의 미술사
김선지 지음 / 은행나무 / 2020년 6월

근래에 들어와서는 어느 정도 여성들이 남성과 동등하게 본인이 원하는 꿈을 실현해갈 수 있는 여건이

마련되었지만 인류 역사의 대부분의 시간 동안 여성들은 여성이라는 이유만으로 아내와 엄마의 역할만

강요받아 왔다. 그렇다 보니 어느 분야의 역사를 봐도 여성이 주연으로 등장하는 경우는 드문데 이 

책의 저자는 미술사 속에서 상당한 업적을 남겼던 여성들을 발굴해 소개하고 있다.

'가부장 수레바퀴 아래에서 예술혼을 불태우다', '편견과 억압을 담대한 희망으로 바꾸다', '경계를 

넘어 새로운 세계를 창조하다'의 총 3부로 나눠 총 21명의 여성 예술가를 소개하고 있는데, 대부분 

초면인 경우가 많았지만 '치유미술관'을 통해 만났던 베르트 모리조와 아르테미시아 젠틸레스키,

'다락방 미술관'에서 만난 메리 카사트, 수잔 발라동 정도가 안면이 있는 사람들이었다. 첫 번째 타자인

프로페르치아 데 로시는 16세기 이탈리아에서 대리석으로 작업한 최초의 여성 조각가라고 하는데 미술

분야에서도 더 금녀의 벽이 있던 조각에서 활약했다니 까미유 끌로델 정도만 알고 있던 나에게 신선한

충격이었다. 아무래도 당시엔 여성이 아내 역할 외에 직업을 가지는 것 자체가 금기시되다 보니 미술을

직업으로 할 수 있는 여성은 아버지가 미술을 업으로 하는 경우가 대부분이었는데, 르네상스 시대의 베네치아 화가 틴토레토로 알려진 자코포 로부스티의 딸 마리에타 로부스티나 역시 화가의 딸이었던

'여자 라파엘로' 엘리자베타 시라니, 18세기 유럽을 사로잡은 스타 화가였던 앙겔리카 카우프만 등이

모두 그나마 아버지 덕에 미술에 대한 재능을 발휘할 수 있었다. 그래도 자기 작품이 아버지 작품으로

잘못 알려지는 등 애환이 적지 않았는데, 풍속화의 대가였던 유디트 레이스테르도 자신의 그림이 

비슷한 화풍의 프란스 할스의 작품으로 오인되기도 했다. 구면인 베르트 모리조는 마네와, 메리 카사트는

드가와 인연을 맺으면서 화가로 성장할 수 있었는데 남성 위주의 미술계에서 다들 악전고투하며 작품

활동을 해나갔다. 미술사에서 최초로 '화가의 자화상'을 그린 소포니스바 앙귀솔라와 최초의 여성 직업 

화가였던 라비니아 폰타나와 여러 책에서 만나 비교적 친근한 아르테미시아 젠틸레스키, 프라도 미술관

수장고에 잠자고 있다가 세상 밖으로 나온 정물화의 개척자 클라라 페테르스, 곤충학자라고도 할 수 

있었던 마리아 지빌라 메리안 등 그동안 제대로 평가받지 못했던 여성 미술가들의 눈부신 업적들이

소개되었다. 3장에선 전통 미술을 벗어나 종이오리기 작품(요아나 쿠르틴), 여러 분야의 디자이너들

(안나 마리아 가스웨이트, 로즈 베르탱, 카린 라르손, 거트루드 지킬)을 다루고 있어 조금은 생소한

느낌도 들었다. 이 책을 읽고 나니 미술은 물론 각 분야의 역사에 있어 실제 업적에 비해 여성들이 

얼마나 저평가되거나 소외되고 있는지를 새삼 느꼈는데, 얼마 전에 읽었던 '있어빌리티 교양수업 :

역사 속 위대한 여성'처럼 역사 속에 맹활약한 여성들을 재조명해보는 것도 큰 의미가 있지 않나 싶다.