신화, 그림으로 읽다

그리스 로마 신화를 읽다보면 신들의 계보와 이름들이 등장한다. 한번 읽어서는 제우스 헤라 아폴론, 아프로디테, 디오니소스 등의 신들의 이름은 기억나도 그가 어떤 신인지 관련된 이야기나 계보는 다 휘발되고 체 사이를 빠져나가는 모래처럼 사라지는 현상을 경험한다. 거기에 오비디우스의 『변신이야기』를 읽게 되면 로마신의 계보가 섞이고 혼돈에 빠진다. 아이들은 헷갈리지 않는 걸 보면 배움에는 때가 있나보다 하는 생각에 잠시 좌절감을 맛본다.

미술사공부 모임에서 곰브리치 서양미술사를 마치고 신화그림을 공부하기로 했다. 그래서 정한 것이 『그리스 로마 신화에 빠진 화가들』이다. 이 책은 토마스 불핀치의 『그리스 로마 신화』의 내용을 그대로 싣고 있다. 그 전에 읽었던 번역과 달리 바이런, 밀턴, 포프 등의 시(詩)들의 소개도 그대로 수록되어 있다. 너무 오래 전 번역을 읽었던 것일지도 모르겠다. 이 책에서 중요한 것은 각 장에 나오는 신화의 이야기들을 주제로 한 그림들이다. 고전주의와 신고전주의 화가들의 그림이 많이 등장한다. 신화가 이들의 주제가 된 것은 역사적인 배경이 있을 것이다. 이탈리아 르네상스 시대에는 여전히 교회를 중심으로 한 그림과 조각들이 주를 이루었고, 화가들을 지원하는 귀족들의 주문에 따른 인물화와 신화의 내용들이 그려졌다. 바로크시대를 거쳐 종교개혁과 반종교개혁 시대에 성화를 금지시키거나 절제 시키게 되면서, 화가들이 풍경과 인물 그리고 신화의 내용을 그리게 되었다. 물론 16세기부터 18세기라는 시간과 이탈리아로부터 유럽과 영국에 이르는 공간적인 편차를 두고 이루어진다.

라파엘 전파로 분류되는 존 윌리엄 워터하우스의 신화그림은 매끄럽고 예쁘다. 니콜라 푸생, 윌리엄 아돌프 부그로, 구스타프 모로, 번 존스 등 17세기부터 19세기에 이르는 고전주의, 신고전주의, 라파엘 전파, 상징주의 화가들의 그림이 등장한다. 물론, 램브란트나 티치아노등 이탈리아나 유럽의 르네상스, 바로크 화가들의 작품들이 보이기도 한다.

푸생은 근대 미술을 열었다는 평가를 받는 화가이다. 그는 그림 안에 철학적인 메시지를 담는다. 그는 신화를 통해 인간의 존재와 죽음의 문제를 질문하고 있다. 모로는 상징적이고 몽환적인 그림을 통해 신화 속에서 그려지는 사랑, 죽음, 공포 등의 심리적 묘사를 그려내고 있다.

내게는 이 두 화가의 그림이 인상적이었다.

 

신화를 그린 화가들은 어떤 마음으로 그림을 그렸을까? 그들이 전달하려는 메시지는 무엇일까? 그림에 나타난 알레고리는 무엇일까? 이런 질문들은 신화를 활자로만 읽는 것 보다 더 많은 것을 얻게 된다. 물론 휘발되는 신화의 지식을 잡아두는 부수적인 유익도 있다.

조금 아쉬운 것은 화가들이 편중되어 있는 것은 아닐까 하는 생각이다. 하지만 그림에 대한 지식이 별로 없는 내게는 새롭게 알게 되는 화가들이 많았기에 유익했다. 다른 한가지 문제는 제본이었다. 책이 저절로 분철되는 현상을 겪고 있다는 것. (이 책을 공들여 엮은 작가는 이 사실을 알고 있으려나 모르겠다.) 나만 겪는 현상이길 바란다.

이 책을 보충하기 위해 함께 읽은 책들을 소개하면, 이주헌의 『신화, 그림으로 읽기』, 황경신의 『그림같은 신화』이다.

이주헌의 『신화, 그림으로 읽기』는 그리스와 유럽을 여행하면서 본 유적들과 미술관, 박물관의 작품들을 주제별로 소개하고 있다.

황경신의 『그림같은 신화』는 사랑, 욕망, 슬픔, 외로움의 4장으로 구성되어 있다. 이 감정들의 주체는 신화에 등장하는 여성들이다. 그들을 중심으로 그림들과 이야기를 담고 있다. 불핀치의 『그리스 로마 신화』도 그렇지만 오비디우스의 『변신이야기』를 보면 신들이 여인들로부터 사랑을 이루는 방식이 폭력적이다. 이러한 신화적 폭력성은 오늘까지도 우리가 사는 사회 안에 존재한다는 생각을 하게 되었다. 신화에서 주로 대상화되는 여성들이 이 책에서는 감정의 주체로 표현되고 있다.

『그리스 로마 신화에 빠진 화가들』에서 화가나 그림에 대한 아쉬움을 달래기 위해 고른 또 한 권의 책이 이주헌의 『신화의 미술관』이다. 이 책은 올림푸스의 신들을 중심으로 에피소드와 그림을 소개하고 있다. 그 작품의 시대의 폭이 넓고 다양한 화가들을 소개하고, 그 작품에 대한 설명과 해석도 함께 해주고 있다. 또한 신화가 상징하는 바와 관련된 역사의 사건과 의미에 대해서도 기록하고 있다. 『그리스 로마 신화에 빠진 화가들』이 단지 신화와 그림만을 소개하고 있다면 이 책은 그 상징을 해석하고 있다고 보면 된다.

신화는 예술의 주제로서 변주되어 왔다. 시대마다 미술, 음악, 문학에서 다양한 상징과 의미로 변형되고 재창조되었다. 왜 그들은 신화를 주제로 했을까? 그것은 마치 우리가 토론을 하거나 글을 쓸 때 텍스트가 용이한 것과 비슷하단 생각이 들었다. 신화에는 인간의 욕망, 사랑, 죽음 등의 존재의 질문이 담겨 있고, 그것은 예술의 주제가 되기 때문이다. 그리고 그 질문에는 올림포스의 신들도 해답을 내놓지 못하고 있다는 생각이다. 그러기에 끝없이 변주가 가능한 것이 아닐까?

드디어 샀습니다

드디어 샀다아아~^^
고갱의 그림은 어디에나 있네.
달과 6펜스
불에 태워진 그림.
존재에 대한 해답을 얻는다면 선택은 더 명료해질 것 같지만, 사실 인생에 다가오는 사건들은 알고있으면서도 속수무책인 경우도 있고, 인간의 욕망은 선택이 명료한 상황을 거스르기도 한다.
디테일은 나중에 자세히 읽어봐야겠다.
여기까지는 언박싱!

무하스타일, 슬라브서사시...

알폰스 무하, 새로운 스타일의 탄생 - 현대 일러스트 미술의 선구자 무하의 삶과 예술
장우진 지음 / 알에이치코리아(RHK) / 2021년 2월

“고향에 돌아온 무하는 아버지가 일하는 법원의 서기로 취직하지만… 사건의 명부는 그가 그린 낙서나 장식 무늬, 공소인들의 초상화로 그 가장자리가 메워졌다.” 34p

카프카… 그리고 많은 예술가들의 그림자를 본다.

미술사 공부를 하면서 생소한 예술가들과 작품들이 낯설고 헷갈리는 상황을 자주 겪는다. 그런 중에도 잊혀지지 않는 작가들과 작품들을 만날 때가 있다. 무하와 그의 작품도 그 중 하나이다. 알폰스 마리아 무하. 아르누보 화가. 그의 그림을 만난 첫인상은 ‘예쁘다. 예쁜 일러스트 같은데?’ 였다. 다시 자세히 본 그림들에서는 여인의 눈빛과 포즈, 그리고 배경으로 장식된 이미지들이 전하는 메시지를 읽게 되었다. 그 이미지들은 계속해서 기억을 붙잡는다.

처음 무하를 알고, 그가 모라비아 태생이라는 것 때문에 끌렸다. 보헤미아와 모라비아, 그 사이를 흐르는 블바타 강, 얀 후스, 30년 전쟁, 합스부르크의 통치, 슬라브인들의 애환의 역사… 아마도 이런 끌림은 내 피에 흐르는 우리 역사 때문인가 싶다.

1860년 체코 모라비아 이반치체에서 태어난 무하의 시대는 아직 합스부르크의 지배를 받고 있던 시절이었다. 모라비아 왕국시절을 기억하는 그 곳은 애국적인 도시였다고 한다. 이곳을 떠나 빈, 뮌헨, 파리, 뉴욕에서 30년 동안 활동하던 무하는 말년에 이곳으로 돌아와 <슬라브 서사시The Slave Epic>를 탄생시킨다. 예술가의 작품 세계의 원형은 고향이라는 생각이 든다.

스물 한 살의 무하는 빈에서 극장을 장식하는 화가로 첫발을 내딛는다. 화가 한스 마카르트를 만나 그의 작품에서 많은 인상을 받는다. 당시 많은 재능 있는 작가들이 그렇듯이 그 재능을 알아보는 후원자를 만나고, 그는 뮌헨을 거쳐 파리로 향한다. 그가 만난 벨 에포크의 파리는 신고전주의, 사실주의, 상징주의, 낭만주의, 인상주의 예술가들이 공존하고 있는 곳이었다. 여기서 그는 예술적 시야를 넓히고 열정적으로 그림을 그린다. 후원이 끊어지고, 생계를 꾸리기 위해 신문 일러스트를 그리면서, 그의 일러스트레이터로서의 재능이 꽃피기 시작한다. 아마도 아르누보 화가로서의 첫 발은 이렇게 시작된 것이 아닐까 한다.

파리에서 만난 샤를로트 부인의 카페 ‘크레므리’는 ‘탕귀영감’이나 ‘바토 라부아’의 가게와 같은 역할을 해주었다. 많은 예술가들에게 만남과 인연을 제공해주는 곳. 1890년 이 곳에서 고갱을 만난다. 누구를 만나고 어떤 장소와 시대에 사는가는 예술가들의 운명을 결정짓는다. 동시대(1980년 4년후, 동학혁명과 갑오개혁이 있었다), 조선에서 살았던 예술가들의 삶까지 거슬러 올라가 꼬리에 꼬리를 무는 질문들이 이어진다.

무하가 여배우 사라 베르나르의 포스터를 그리게 된 것은 그의 인생에 있어 아주 극적인 장면이다. 1895년 사라 베르나르를 그린 무하의 포스터는 파리 전역에 센세이션을 일으켰다. 그녀는 무하의 그림을 통해 아르누보 여인의 전형이 된다. 무하는 이 그림들로 쏟아져 들어오는 의뢰를 감당하기 힘들 정도로 유명해진다. 그의 광고 포스터는 현대적인 감각을 보여주고 있다. 그는 사람들의 욕망을 꿰뚫는 능력을 보여주고 있다.

그의 영역은 장식 예술, 보석세공, 잡지, 책의 삽화, 조각에까지 넓혀진다. 1900년 파리 박람회에서 거둔 큰 성공은 아르누보 장식예술가로서 알려지게 하는 계기가 되었다. 하지만 장식예술가로서 규정되는 정체성에 대한 예술가로서의 고민은 거기에 만족할 수 없게 한다.
그는 뉴욕으로 떠나 그 곳에서 유화 붓을 잡지만 오랫동안 놓았던 작업이라 만족스러운 성과를 얻지 못한다. 그곳에서 찰스R 크레인을 만나고 슬라브인들을 위한 작업을 계획하고 있는 무하에게 재정적인 후원을 할 것을 약속받는다. 크레인의 딸을 모델로 그린 <슬라비아>는 체코슬로바키아의 지폐에 사용되기도 한다.

고향에서 20년 동안 6x8미터의 거대한 캔버스에 템페라로 <슬라브 서사시>를 제작했다. 고령의 나이에 이 제작과정은 엄청난 고역이었다고 한다. 그가 그린 20개의 에피소드는 그동안 파리에서 보여주었던 작품들하고는 느낌도 메시지도 다르다. 범슬라브인들을 위한 작업. 5개의 알레고리적 테마와 5개의 종교적 테마, 5개의 전쟁 장면과 슬라브 문화에 관한 5개의 장면으로 이루어져 있다고 한다. 책에 수록된 몇 편의 <슬라브 서사시>를 보면 슬라브인들의 삶을 직관적으로 알게 된다.. 예술의 놀라운 힘이라고 할 수 밖에…….

톨스토이의 작품들에 아우스터리츠 전투나 슬라브 민족 독립전쟁이 나온다. 멀리서 들려오는 전쟁 소식과 러시아의 참전에 관한 논쟁, 그 전쟁에 참전한 인물의 인식의 변화만을 읽었을 뿐이었다. 그 곳에 살았던 민족의 오래된 역사와 전통, 30년 전쟁 이래로 아니 그 이전부터 전쟁터의 한복판에 살았던 사람들의 고통은 헤아릴 수 없었다. 그의 작품은 20개의 에피소드를 통해 그 이야기를 전달하고 있다. 그것은 피 속에 역사를 가진 자만이 할 수 있는 작업이다. 무하처럼.

일러스트 미술의 선구자, ‘무하 스타일’을 만들어낸 작품만 수록되어 있었다면 알고 있었던 화가를 좀 더 자세히 아는 것에 불과 했을 것이다. 사실, 그것만으로도 충분하다. 현대의 일러스트레이터들에게 많은 영감을 준 화가, 당대의 선구적인 길을 걸었던 화가로서도 그 이름과 잊을 수 없는 환상적인 작품으로 기억될 것이다. 하지만, 이 책은 <슬라브 서사시>를 통해 그의 영혼 안에 새겨져있는 블바타 강과 모라비아를 보게 해주었다. 그리고 슬라브인들의 역사를 좀 더 공부해야겠다는 또 하나의 과제를 갖게 되었다.