500년 미술사와 미술 시장의 뒷이야기-세상에서 가장 비싼 그림들

세상에서 가장 비싼 그림들 - 500년 미술사와 미술 시장의 은밀한 뒷이야기
피에르 코르네트 드 생 시르 외 지음, 김주경 옮김 / 시공아트 / 2012년 10월

[리뷰] 세상에서 가장 비싼 그림들

(피에르 코르네트 드 생 지르: 시공아트, 2012)

세계적인 미술 시장에서 가장 비싸게 팔린 작품들 100여점을 만나다.

  "알게 되면 보이고 보이게 되면 모은다" -유한준

  혹자는 아트 컬렉션을 가리켜 '궁극의 취향'을 가진 사람들의 취미라고 말합니다. 세계 경제가 '경기침체'의 불황에 빠져 있어도 이와 상관없이 미술시장은 이례적인 성장세를 보이고 있는 것도 이들 수집가들의 '아트 컬렉션'의 열정을 잘 보여주는 사례가 아닐까 싶습니다.

  불황 속에서도 올해 소더비 경매에서는 에드바르 뭉크의 '절규'가 1억 2천만 달러(한화 약 1363억 원)에 매매되면서 경매 최고가를 경신하는가 하면 며칠 뒤에는 색면 추상회화의 거장 마크 로드코의 작품 '오렌지, 레드, 옐로'가 크리스티 경매에서 8천7백만 달러(한화 약 990억 원)에 팔려 현대미술품 최고가 기록을 세우기도 했답니다.

<단순히 재테크를 위해서 미술경매에 도전하는 것은 아니다. 미술의 매력은 무엇일까?>

  <세상에서 가장 비싼 그림들>은 정확히 말해 세상에서 가장 비싼 100여점의 그림들*은 아닙니다. 수집가들이 선호하는 이상적인 컬렉션에 포함되어지는 예술가의 작품들 중에서 최고 경매가를 기준으로 한 이 책은 우리에게 유행을 따르지 않고 어떤 시대이든지 사람들을 열광시키고 매혹시킨 그러한 작품들을 소개하고 있다고 보면 좋을듯 싶습니다.  

  거의 소장이 불가능한 그림들, 그렇기 때문에 수집가들은 개인의 목정과 혹은 소장을 통한 감상 및 재테크를 위해 더욱 매진하게 되는것은 아닐까요?

  <세상에서 가장 비싼 그림들>은 고딕미술-근세미술, 인상주의 미술, 근대미술, 현대미술로 시대를 구분하여 미술사 500년을 대표하는 작가들의 그림이 어떠한 특징을 가지고 있으며 무엇보다 그림이 경매되기까지의 여정 즉 미술작품의 이력이 소개되어 미술 시장의 은밀한 뒷이야기를 즐길 수 있는 재미를 제공해 줍니다. 책의 구성은 완벽하게 통일되어 있지는 않지만 보편적으로 그림의 제목, 미술가의 이름과 생몰연도, 작품 연도와 크기, 경매일, 경매가(달러기준으로 쓰여지고 한화 가치가 함께 수록됨), 미술가의 약력, 작품의 특징, 작품의 이력의 순서로 소개되어 있습니다.

<국가와 미술관 뿐만이 아니라 개인 컬렉션에 포함된 작품들도 다수 소개된다.>

  현재 세계 미술계의 흐름은 서양중심에서 동양 중심으로 옮겨져 오고 있습니다. 이는 중국의 영향력이 가장 크다고 볼 수 있는데 중국인들의 열정적인 작품 사랑은 기존의 피카소 중심의 고미술 시장에 중국 작가의 작품들의 가치를 견인하는 역할을 톡톡히 하고 있답니다.

  세계 미술 시장의 이러한 흐름을 반영하듯 이 책 또한 후반부로 갈수록 보다 다양한 미술 작품들을 소개하고 중국 시장과 작가들의 작품들을 주목하는데 중국 정부의 미술시장 육성 정책과 미술관 및 박물관 건립과 확충에 따른 소장품 구입 확대와 개인 및 기업의 미술품 투자가 지속되는한 계속 커지지 않을까라는 생각을 해봅니다. 기회가 된다면 아시아를 배경으로한 그림들의 이력이 소개된 책이 발간되면 좋을듯 싶습니다.

  끊임없이 변화하는 미술시장 그리고 미술시장에 뛰어든 사람들과 경매에 관한 흥미진진한 뒷이야기들과 함께 미학을 통해 감상하는 미술작품을 보면서 사람들이 그림에 열광하는 것이 꼭 금전적인 측면만을 부각할 필요는 없다는 생각을 하게 되었습니다. 그럼에도 불구하고 세계 미술 시장에서 한국의 다양한 작품들이 주목을 받게 되고 그 가운데서 고가의 미술품으로 거래되는 모습을 바라보고 싶은건 제 개인적인 욕심일려나요. ^-^;;;; 

*세상에서 가장 비싼 100여점의 그림들: 가격대로만 할 경우 피카소, 베이컨, 클림트, 모네, 모딜리아니, 반고흐, 세잔, 워홀 이들 8명의 작가의 작품으로만 60점이 채워지게 된다.

청자 가마에는 도공의 시름과 함께 희망이 배어있다.-나 깨진 청자를 품다

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나, 깨진 청자를 품다 - 자유와 욕망의 갈림길, 청자 가마터 기행
이기영 지음 / 효형출판 / 2011년 2월

[리뷰] 나, 깨진 청자를 품다(이기영: 효형, 2011)

자유와 욕망의 사금파리*를 만나다.

  "청자 가마에는 고통 속을 헤매며 방황하던 도공의 시름과 함게 희망이 배어있다. 그들이 구웠던 건, 흙이 아니라 자신에게 약속하는 미래의 구원이었다." -이기영

  '사금파리 집'*을 아시나요? 'Raymiond Isidore'라는 사람이 1930년에 자신이 살 집을 지으면서 깨진 '사금파리를 주어서 취미삼아 장식을 시작해 장장 25년에 걸쳐 15톤에 달하는 4백만 조각의 사금파리를 이용해 만든 집이라고 합니다. 작은 조각 하나하나가 모여서 새로운 건축물이 되어 지금은 많은 사람들이 방문하는 명소가 되었다는 점이 참 신기했습니다.

  사금파리 한 조각 한 조각을 모아 하나의 건축물을 만든 사람이 있는가 하면 사금파리 한 조각 한 조각을 씨실과 날실로 그물을 짜듯이 엮어서 이야기를 만든 흥미로운 인물이 있습니다. 경제학도 출신으로 도자기의 현대화에 새로운 방향을 제시한 이기영씨가 그 주인공입니다. 그가 쓴 <나, 깨진 청자를 품다>는 오늘날 우리의 삶 속에서 잊혀지거나 도외시되는 '사금파리'로부터 천년의 역사를 풀어낸 이야기 입니다. 각각의 사금파리가 가진 이야기들을 엮어서 펼쳐낸 역사 이야기 그 속에는 도공들의 삶과 역사 그리고 가마터의 열기가 고스란히 느껴집니다.

<청자 가마터 순례의 길에서 만나는 사금파리들로부터 삶을 배우다.>

  처음부터 '사금파리'로 만들기 위해 도자를 만들지는 않았을 것입니다. 그날의 충격을 고스란히 보여주는듯한 제각각의 모양에는 가해진 충격이 제각각이듯 제각각의 이야기가 있을 것입니다. 누구의 손에서 어떤 목적으로 만들어졌는지 알 수 없지만 저자는 흩어진 사금파리 속 이야기들에서 온전한 도자의 모습을 그리듯 역사를 거슬러 올라가 천년전 이야기를 담담히 기술합니다.

  강진, 해남, 고흥, 장흥 등 북한을 제외한 남한 각지에 흩어진 22개의 가마터에서 만난 수많은 사금파리들이 담고 있는 이야기를 무엇으로 비교할 수 있을까요? 굳이 비교를 한다면 '일장춘몽'과도 같은 이야기가 아닐까라는 생각을 해봅니다. 왜냐하면 각자의 꿈과 희망을 담아 빚어졌을 도자***들의 영광은 이제 온데간데 없이 사라지고 사금파리로만 남아있기 때문입니다.

 

<흩어진 사금파리들은 깨어진 꿈이 흩어져 있는듯 보인다.>

  한국의 전승과 보존 능력이 탁월하다고 자부하는 사람들이 많이 있습니다. 하지만 책을 읽으면서  꼭 그렇지도 않다는 생각이 문득 듭니다. 세세한 기록을 문서화 시킨 서양과 달리 한국은 극히 제한적인 기록만이 남겨져 있는 경우가 많고 입장에 따라 깎아내리거나 미화시키는 경우가 허다하여 역사를 재현하는데는 많은 어려움이 따르는 경우도 많습니다. 무명의 도공의 삶을 재현하고 깨어진 도자가 형성되었을 시대를 재현하는데는 분명 많은 어려움이 있었으리라고 생각합니다.

  이러한 어려움 때문에 이 책을 '방증'에 의해 쓰여진 책이 아닐까라고 생각하는 사람이 있을까 하여 미리 밝혀두지만 이 책은 '방증'의 기법과 '야사'에 의존하기 보다는 고증과 검증된 자료를 바탕으로 쓰여진 책이라는 점을 밝혀두고 싶습니다. 즉 이 책은 도자의 역사와 의미 혹은 미학을 공부하고픈 사람들에게 유익하고 참고할만한 책인 것입니다.

  역사를 소상히 알고 있는 사람들에게는 조금은 식상한 내용들일지도 모릅니다. 하지만 '사금파리'를 소재로 역사를 바라보는 새로운 시도와 도공의 삶의 정황이 고스란히 느껴지는 가마터 이야기는 '가마터'와 '사금파리'의 역사적 가치의 재발견이라고 평가할만 하다고 생각합니다.

  기회가 된다면 저자가 방문했던 장소들을 하나하나 방문해보고 싶습니다. 열정과 꿈을 실현시키지 못하고 깨져버린 삶 가운데서도 남아있은 마음 속 사금파리들과 조우하는 장소로 잊혀지고 사라져 가는 가마터만큼 좋은 장소는 없는듯 싶습니다.

* 사금파리: 사기그릇 혹은 도자의 깨어진 작은 조각

** Maison picassiette: 프랑스 소재의 사금파리로 장식된 집, 몽생 미쉘 수도원을 묘사한 벽면과 기초적인 생활 도구까지 모두 사금파리로 꾸며져 있는 독특한 장소이다. 내부촬영은 불가하지만 구글 검색에서 이미지를 찾을 수 있으며 사용된 사금파리들은 공동묘지 주변에서 가져온 것들이라고 한다.

*** 도자: 도자기와 자기를 통틀어 일컫는 말.

[서평] 그림, 눈물을 닦다-조이한

그림, 눈물을 닦다 - 위로하는 그림 읽기, 치유하는 삶 읽기
조이한 지음 / 추수밭(청림출판) / 2012년 7월

[리뷰] 그림, 눈물을 닦다(조이한: 추수밭, 2012)

그림에 비친 우리의 모습과 삶의 본질을 만나다.

  매리 루이스 드라 라메(필명: 위다)의 작품 '플랜더스의 개'는 주인공 네로가 어느 추운 겨울날 교회당에서 그가 동경하던 루벤스의 그림 아래서, 파트라슈를 껴안고 죽는걸로 마무리 됩니다.

  소년 '네로'는 왜 루벤스의 그림 아래서 죽음을 맞이했을까요?

  추위와 굶주림에 지쳐 성당 안에서 죽어갈 때 등장하는 그림의 이름은 루벤스의 <십자가에서 내려지는 그리스도>입니다. '위다'는 주인공 소년 네로의 죽음과 '루벤스의 그림'을 통해 네로의 삶에서 경험되어지는 아픔과 상처를 보여주고 소년의 죽음을 애도하면서 독자에게 고통과 슬픔은 끝났다라고 말합니다.

<사랑의 본질인 '자기애', 화가들은 '나르시스'를 통해 '자기애'를 발견하였다.>

   저자 조이한은 심리학과 미술사를 전공한 미술 평론가입니다. 에곤 실레의 작품 <해바라기> 앞에서 눈물을 흘리며 외로움을 위로받던 저자는 고전 미술부터 현대 미술까지 지치고 상처 난 마음을 다독여 주는 작품들을 독자들에게 소개해줍니다. 그림은 삶에 대한 다양한 성찰이 반영되어 있습니다. 그리고 화가의 삶의 성찰과 본질을 마주했을때 우리는 아픔과 상처가 위로받는 경험을 하면서 '삶의 위안'과 '생의 긍정'을 경험하게 됩니다.

  <그림, 눈물을 닦다>에서 독자는 위로하는 그림을 만나고 치유하는 삶을 경험하게 됩니다. 조이한은 그림을 통해 사랑, 결혼, 관계, 슬픔, 상처, 비극, 콤플렉스, 그리움, 노화, 죽음에 이르기까지 다양한 인생의 사건들과 경험을 그림과 함께 이야기 합니다. 저자의 인생에 대한 깊은 이해와 삶의 이야기를 정리하면 그녀의 메시지는 독자에게 위안을 주는 것과 동시에 현재의 삶에서 찾아낼 수 있는 희망의 메시지라고 정리할 수 있습니다.

<외모 지상주의에서 아름다움의 진정한 기준은 무엇일까?>

  외모 지상주의 속에서 '외모 콤플렉스'에 시달리는 사람들에게 뚱뚱하지만 누구보다 사랑스러움이 물씬 느껴지는 페르난도 보테로의 <얼굴>을 그리고 관계의 어려움을 경험하면서 군중속의 외로움을 호소하는 이들에게 제임스 엔소르의 <가면에 둘러싸이 엔소르>와 질리언 웨어링의 <나는 절망적이다>를 소개하는 작가의 미술 읽기는 단순히 덮어놓고 힘내라는 메시지가 아닌 공감과 위로가 먼저 느껴집니다.

  이 책을 통해 저자는 미술의 긍정적인 영향력(공감, 위로, 치유, 희망등의 메시지)을 독자들과 연결하는 고리 역할을 합니다. 미술 작품 앞에서 자신도 모르게 눈물 흘리며 기쁨을 얻는 사람들에게 그리고 삶의 위로를 경험하고픈 이들이라면 이 책에서 자신의 마음을 들여다보고 인생의 성찰을 경험할 수 있을 것입니다. 미술은 시간과 공간을 넘어서 우리에게 다양한 삶의 이야기들을 전해줍니다. 그리고 그들의 이야기들을 모아서 저자는 우리의 삶이 삶의 본질과 위로가 경험되어지기를 소망합니다.

  필자 또한 독자로서 그리고 글을 소개하는 입장에서 쌓이고 쌓인 상처, 도저히 치유할 수 없는 이들에게 그리고 압박과 스트레스로 인해 작아지는 고통을 경험하는 이들에게 <그림, 눈물을 닦다>가 삶을 위로하고 회복을 경험할 수 있는 시간이 되었으면 하는 마음을 가져봅니다.

  사람은 슬픔에 빠져 있을 때 자신을 기쁘게 해 주는 대상을 찾아 헤멜것 같지만,

흥미롭게도 더욱 슬픔에 빠지도록 해 주는 예술 작품에서 위안을 얻기도 한다.

그녀의 얼굴을 볼 수 없지만 우리는 그녀가 짓고 있는 표정을 안다.

슬픔에 빠진 여인을 바라보며 우리는 자신의 슬픔을 다독인다.

이 세상에 슬프지 않은 인생이 어디 있으랴. -p113-114

[서평] 시크릿 오브 주얼리-송경미

시크릿 오브 주얼리 - 추억을 간직하는 보석 이야기
송경미 지음 / 시공사 / 2012년 2월

시크릿 오브 주얼리-송경미: 추억을 간직하는 보석 이야기

 주얼리의 선택엔 정답이 없습니다. 정답이 없다는 것은 주얼리 선택의 폭이 넓다는 것을 말합니다. 고가이든 저가이든 명장의 손을 거친 작품이든 아니든 주얼리의 가치와 아름다움은 저마다 다르고 또한 시대마다 다르다고 말할 수 있습니다.

  저자 송경미 사장은 주얼리에 대한 남다른 열정을 가지고 주얼리의 가치를 전하는 일을 하고 있습니다. 갤러리와 주얼리 살롱을 운영하는 그녀는 '오래됨의 아름다움 속 가치'를 이야기 하는 것을 좋아합니다. 저자는 주얼리에 대해서 이렇게 말합니다. "나를 푸근하게 해주는 안도감, 나를 밝헤 해주는 화려함, 나를 옹오해 주는 든든함을 지닌, 그리고 나를 표현해 주는 대리인으로, 그 어느 누구보다도 나를 소중한 존재로 인식시켜 주는 부적과 같은 특별한 존재이다."(p.274)

   이 책은 이러한 특별한 이야기와 만남을 연결시켜주는 주얼리를 중심으로 한 이야기 입니다. 좋은 주얼리를 선택하는 것보다는 주얼리가 친구를 선택하는 특별한 만남. 그리고 여러분만의 독특한 주얼리의 이야기와 가슴 설레이는 문화와 예술 역사가 녹아 있는 한권의 책이 바로 <시크릿 오브 주얼리>입니다.

 

<가장 아름다운 가치와 예술이라는 말로는 주얼리의 모든 것을 표현할 수 없습니다.> 

 앤티크 주얼리의 특별함

  앤티크 주얼리는 제작된지 백 년이 지난 보석, 장신구, 공예품을 의미합니다. 최근에는 1930년 즈음에 제작된 것들로 당시 미술 사조의 영향, 즉 예술적, 디자인적인 특징을 찾을 수 있다면 앤티크 주얼리로 정의하는 경향이 강하다고 합니다.(p.12)

  미래에 어떤 것이 앤티크라는 명칭을 가지게 될지 알 수 없기에 오늘날 주얼리들은 모두 앤티크 주얼리의 후보라고도 생각할 수 있습니다. 그것은 마치 우리의 삶과도 비슷해 보입니다. 우리 모두는 '앤티크'라는 수식어의 후보군이라고 볼 수 있지 않을까요? 어쩌면 이미 우리 자신은 '앤티크'일지도 모릅니다. 신의 피조물로서 으뜸인 우리들은 세상의 어떤 장인의 손길보다도 훌륭한 이의 손길을 거쳐서 이 땅에 서있답니다.

  <시크릿 오브 주얼리>는 3장으로 구성되어 있습니다. 1장은 앤티크 주얼리의 세계를 입문하는 내용으로서 앤티크 주얼리에 얽힌 다양한 이야기들이 펼쳐집니다. 2장은 반지와 다이와 몬드를 중심으로 한 이야기 입니다. 변하지 않는 가치 가운데 으뜸이라는 다이아몬드 그리고 다이아몬드가 활용되는 대표적인 주얼리 공예를 보면서 포기할 수 없는 아름다움에 매료되는 비밀이 소개됩니다.

  마지막 3장은 주얼리와 우리가 함께 하는 삶이란 무엇인지를 가르쳐 줍니다. 주얼리에 대한 오해를 바로잡고 진정한 가치를 통해서 소중한 주얼리를 만나고 즐기는 방법이 기록되어 있습니다. 시대의 문화를 고스란히 간직한 예술품이자 역사적 산물에 붙여지는 '앤티크' 그리고 '앤티크'의 특별함이  낯설은 이들에게 <시크릿 오브 주얼리>는 주얼리의 새로운 세계를 보여준다고 생각됩니다.

예술과 문화의 소중한 추억을 간직하는 보석 이야기

  주얼리에 대해서 많은 것을 오해하고 있었다는 것을 깨달을 수 있는 시간이었습니다. 새로운 것을 배운다는 사실은 매우 흥분되고 기쁜 일입니다. 반면 일생을 살아가면서 주변을 돌아볼 시간을 잊고 살아간다는 것은 슬픈일이라고 생각합니다. 주얼리는 인간의 문화와 역사 가운데 함께 있었습니다.

  단지 우리가 그것을 잊고 살아가왔던 것은 주얼리와 우리 사이의 보이지 않는 장벽이 있었기에 때문이 아닐까요? 주얼리는 특별한 보석이자 일부 계층의 전유물이라는 인식이 우리와 주얼리 사이의 간격을 더욱 멀어지게 하였다면 이 책은 주얼리의 가치와 주얼리 속 이야기를 통해 주얼리와 우리 사이를 친밀하고 소중한 관계로 이끌어 주는 책이라고 말할 수 있습니다.

  세상의 둘도 없는 소중한 친구들과의 만남이 여러분과 제게도 찾아왔으면 좋겠습니다.

[서평] 무하-장우진: 세기말의 보헤미안

무하 : 세기말의 보헤미안 - 새롭게 만나는 아르누보의 정수
장우진 지음 / 미술문화 / 2012년 1월

세기말의 파리가 사랑했던 알폰스 무하

  향락에 취한 세기말의 프랑스 파리. 19세기 말 짙은 명암의 대비가 이뤄지는 파리는 유례없는 자유와 번영의 기쁨이 자리하는 도시였습니다. 그리고 세기말의 파리를 주도한 보헤미안과 댄디의 등장 가운데 이를 한 몸에 가진 예술가들이 속속 등장하였고 그 가운데 미학적인 요소를 공유한 상징주의와 조형 예술의 공간적 측면을 장식한 아르누보의 아름다움 속에서 우리는 알폰스 무하를 발견할 수 있습니다.

  세계 예술의 중심지였던 파리 그리고 그 곳에서 유행을 주도한 무하의 예술과 삶은 아르누보의 전성기이자 세기말의 파리가 가장 사랑할 수 밖에 없었던 예술이 무엇인지를 분명히 보여주고 있습니다.

<그의 이름은 기억하는 사람은 적지만 작품의 분위기를 기억하는 사람은 많다.>

세기말의 파리와 알폰스 무하

  세기말 유럽 예술의 중심지는 분명 파리였습니다. 그리고 그곳을 택한 체코의 시골 소년 무하는 신이 내려준 선물들 즉 변치 않는 사랑과 향수를 만들어 낼 수 있는 예술적 감각을 누구보다 잘 이해하고 실천할 수 있는 능력있는 인물이었습니다. <무하-세기말의 보헤미안>(서울: 미술문화, 2012)은 세기말의 프랑스와 무하의 인생을 함께 살피면서 무하의 예술 세계를 독자들에게 소개합니다.

  혼란과 불안이 자리하고 극과극의 명암이 대비되는 예술의 도시에서 대중의 공감을 불러일으키고 모두에게 이해될 수 있는 대중적인 예술작품을 선보인 그의 작품들은 그가 왜 세기말의 대표적인 예술가이자 사랑받는 예술가였는지를 분명히 알려줍니다.

무하는 이러한 아르누보, 특히 프랑스 아르누보의 중심에 있던 인물이다.

당시 세계 예술의 중심지였던 파리에서 유행을 주도한

무하의 예술과 삶은 아르누보와 운명을 같이 하는 것이었다.

-중략-

아름답게 장식된 호텔의 외관, 지하철의 입구, 가판대에 진열된 엽서와 포스터에서

벨 에포크의 아르누보와 무하에 대한 향수와 애정을 쉽게 찾아볼 수 있다.-p.50-51

세기말 아르누보의 끊임없는 재현

  도톰하고 매끄러운 살결에 흩날리는 풍성한 머리칼과 이국적 의상 몽환적인 분위기의 아름다운 여인의 모습에는 독특하고 매혹적인 느낌이 물씬 풍깁니다. 알폰스 무하의 작품은 비록 세기말 파리와 함께 약화된 아르누보와 운명을 함께 하였다고 하지만 오늘날 세계는 그의 작품들과 아르누보의 향수를 여전히 사랑하고 그리워 합니다.

  예술의 영역을 대중적인 삶과 경제로까지 연결시킨 그의 작품은 살아 숨쉬는 역사이자 미지의 예술이라고 말할 수 있습니다. 우리는 경험하지 못했던 그리고 상상할 수도 없었떤 세기말을 살아갔던 사람들처럼 여전히 그의 작품의 아름다움에 사로잡힙니다. 누구나 보았지만 누구도 제대로 알지 못했던 예술가의 삶에서 한 시대를 풍미하고 그 다음 세대에까지 영향을 미치는 예술이란 무엇인가를 배울 수 있는 소중한 경험이 다른 분들에게도 함께 하기를 소망합니다.

세기말 그의 그림이 파리의 거리를 메웠듯 우리는 여전히 그를 사랑하고 또 사랑할 것이다.

백 년이 가고 이백 년이 간다 해도 그에 대한 우리의 사랑이 그치지는 않을 것이다.

그의 풍부한 상상력으로 만들어진 이상적인 세계는 영원히 지속 될 것이다. -p.271