한 판 붙자! 추리 vs SF 투표 대격돌!

시공사와 함께 이벤트를 진행중입니다. 이벤트는 여기를 누르시면 방문하실 수 있습니다. 

이번 이벤트의 핵은 뭐니뭐니해도 편가르기 투표죠. 추리 vs SF입니다. 

투표 참가자 중 이긴 팀에 투표하신 분들께만 추첨 혜택이 주어지는, 마치 국회위원 선거같은 스릴이 있습니다.  

상품은 

이벤트 페이지에서 확인하시다시피.. 국정원 절대시계. 대신에 무려 시공사 전용 시계입니다. 

착용시 시공간 이동 같은게 가능할 리는 없습니다만. 실제로 봤는데 괜찮습니다. (남자용 같긴 합니다) 

자 그럼 건투를 빕니다. 

(참고로 후반 눈치지원이 불가능하도록 투표는 기간 중에 통보 없이 급 종료될 수 있음을 알려 드립니다)

번외- 베스트는 아니겠으나 선착순으로 떠오르는 장르별 세 권 

SF

                     

추리 /미스터리

                      

투표기간 : 2011-04-22~2011-05-22 (현재 투표인원 : 190명)

1.

추리/미스터리

76% (145명)

2.

SF

23% (45명)

[원작 vs 영화] 이상한 나라의 앨리스

원작 vs 영화 

원작- 이상한 나라의 앨리스 (루이스 캐롤)

영화- 이상한 나라의 앨리스 (팀 버튼)

            

내가 곧 세계다. 그러니 너역시 나인 셈이지.

 *스포일러 있음 

 -팀 버튼의 이 영화는 엄밀히 말하면 원작소설의 '속편'이다. 예전에 원더랜드에 갔었던 사실을 잊어먹은 앨리스가 나이를 먹고 다시 그 동네에 가서 겪는 모험담이다. 이 속편에서 원작은 거의 힘을 발휘하지 못한다. 팀 버튼이라면 의례 사용하고 싶었을 시공간 실험이 많았을 텐데도 영화는 어정쩡한 3D효과를 자랑할 때 빼고는 별다른 모험을 시도하지 않는다. 원작의 싸이키델릭한(좀 미친 것 같은) 매력이 보이지 않는다. 옮겨온 것들은 캐릭터 뿐으로, 그나마 팀 버튼 특유의 '화장질'이 잘 먹힌 경우이기는 하다. 붉은 여왕만큼은 정말 못되고 귀엽다. 헬레나 본햄 카터 만세. 덤으로 앤 헤더웨이도 만세. 

  그런데 팀 버튼이면 이걸로 만족해서는 안된다. 그의 영화 내면에 흐르는 원동력이 바로 루이스 캐롤과도 이어져 있기 때문이다. 팀 버튼의 영화적 뿌리인 독일 표현주의 영화와 B급 호러영화 모두 고딕 소설에 직간접적인 영향을 받고 있다. 그래서인지 팀 버튼은 고딕 문학을 손쉽게 영화로 만들어 왔다. 그렇다면 고딕 문학과 시대를 공유하면서 그 초현실적 특성을 괴담 이외의 세계로 확장시킨 루이스 캐롤의 이 기념비적인 작품의 영화화도 기대할 수밖에. 그러나 <이상한 나라의 앨리스>는 팀 버튼의 가능성의 한계를 보여준 것에 그쳤다. '영화 작가'와 스타일리스트의 차이랄까.

  영화의 가장 큰 문제는 10대 후반에 접어든 주인공 앨리스가 원더랜드에서 가장 재미없는 캐릭터라는 점이다. 주인공이 '물리학적으로 왜곡된' 시도들이 가능한 원더랜드의 특징을 전혀 (주체적으로) 이용하지 않으면서 영화는 그 매력을 잃는다. 물론 그런 시도를 하려면 시나리오가 원작 수준의 상상력을 발휘해야 한다는 난관이 있다. 언어-논리 유희와 시공간에 대한 사고실험을 영상 속에서 책과 같은 수준으로 보여주기는 매우 어렵다. 원작에서는 하나의 논리 혹은 규칙이 만들어지면 세계가 즉각 그에 반응한다. 법칙은 발견되지 않고 제시된다. 나의 말이 세계이다. 나의 시선이 곧 세계를 규정한다. 그러나 영상은 이미 만들어진 영상을 통해 관객들이 세계를 받아들인다. '글'은 추상적인 명제나 지시를 표현할 수 있지만, 영상은 감각에 의존하는 이상 순수한 명제 혹은 논리가 될 수 없다. 그래서 앨리스의 영화화는 매우 어렵다. 영화는 세계를 보여줄 수는 있지만 세계에 지시하는 목소리가 될 수는 없기 때문이다. 그렇다고 '변해랴 얍' 하고 말하면 뾰로롱 하면서 주위가 바뀌는 디즈니 식의 연출을 할 수도 없고... 그래서 팀 버튼은 원작의 '속편'을 만들기로 했는지도 모른다. 실험을 포기하고 '이제 그런 요상한 거 못하는' 숙녀를 주인공으로 들여놓은 것이다. (그러나 관객들은 같은 해에 이 앨리스적인 실험을 다른 영화에서 만나게 된다. 바로 <인셉션>이다)

  팀 버튼의 앨리스에서 가장 충격적인 부분은 엔딩이다. 원더랜드에서 초현실의 세례를 받았던 아이는 온데간데 없고, 다시 그 세계로 다녀 온 숙녀는 뜬금없이 주체적 여성상을 내세운다. 주체적인 게 나쁘진 않은데, 앨리스가 선택한 방식은 하필 아버지의 뒤를 이어 제국주의 무역상이 되는 것이다. 그녀 자신이 현실 속에서 원더랜드의 여왕과 같은 역할을 원한다. 원더랜드의 붉은 여왕과 흰 여왕은 동전의 양면에 불과하다. 흰 여왕은 정의의 편 같지만 사실 세상 돌아가는 일에 관심이 없다. 자신이 공격받지만 않으면 나머지 세상의 일부를 악에 맡겨두어도 상관없는 사람이다. 악과 타협하는 선, 그리고 늘 공격적인 악은 탓할 상대와 정복할 상대로서 서로를 필요로 한다. 즉, 다시 돌아온 원더랜드는 현실정치의 세계다. 이 단 한 가지만이 원작 앨리스의 '주체에 따라 변하는 세계'라는 명제를 따른다. 식민지 자본주의 시대의 예비 여걸의 시선이 닿는 순간 원더랜드가 권력 투쟁의 장으로 변하는 건 어쩌면 당연한지도 모른다. 그렇다면 팀 버튼은 원작 앨리스의 특징을 알고 있었던 것일까? 다만 도전하지 않은 것뿐일까? 아니면 이건 그냥 정치적인 우화일까? 어느 쪽이건 간에 귀여운 <프랑켄위니>로 데뷔해서 배트맨과 가위손과 화성침공(!)을 만들었던 그 사람은 이제 만나기 쉽지 않을 듯하다. 

-외국소설MD 최원호 

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[원작 vs 영화] 괴물들이 사는 나라

원작 vs 영화 

원작- 괴물들이 사는 나라 (모리스 샌닥) 

영화- 괴물들이 사는 나라 (스파이크 존즈) 

          

너네한테 엄마가 있었으면 좋겠어

 -모리스 샌닥의 원작 그림책 <괴물들이 사는 나라>. 말 안 듣는 꼬마는 자기 내면의 일부로 빚어낸 듯한 괴물들 사이에서 대장을 자처한다. 괴물이라고 하면 좀 이상한데, 원서에서는 little thing이라고 불리는 친구들이다. 자기보다 덩치도 크고 못생긴 '작은 놈들' 사이에서 대장이 된다는 건 여러가지 의미로 읽을 수 있다. 그리고 그들을 남겨두고 다시 떠나오는 것까지도. 책의 마지막 장면에서 녀석의 표정은 시작할 때처럼 심술꾸러기가 아니다. 꼬마 맥스는 괴물들이 사는 나라에 자신의 little things를 놓아두고 온 게 아닐까. 그래서 이 동화는 악동과 괴물들의 신나는 조합을 선사하면서도 편안하게 마무리되는 교훈극이다. 가족이라는 튼튼한 현실이 이 책의 시작과 끝을 보듬으면서 꼬마의 꿈을 안전하게 둘러싸고 있으니까. '아이들을 위해'라는 관점에서 보면 <괴물들이 사는 나라>는 보수적이고 안전한 선택이다. 

  그런데 어른들은 왜 이 책을 좋아할까. 아마 모두가 꿈 속 어딘가에 '작은 놈들'을 남겨두고 떠나왔기 때문이 아닐까. 기괴한 생물들이 사는 쓰잘데기 없는 섬. 딱 그 나이대에는 피터 팬보다 더 친구 같았던 존재들, 그래서 그 순간이 지나면 다시 만날 수 없는 녀석들. <괴물들이 사는 나라>의 영화는 어른들의 시점으로 다시 그 섬을 방문한다.

  우리나라의 영화 배급 업체들은 요정이나 귀여운 용모의 괴 생명체들이 나오는 영화를 전부 가족용으로 프로모션하는 나쁜 버릇이 있다. 가장 극명한 낚시 사례는 기예르모 델 토로의 <판의 미로>일 것이다. 스페인 내전을 우화로 재해석한, 사람 얼굴을 '줘 패서' 뭉개버리는 이 극악무도한(?) 작품을 해리 포터 수준의 모험물로 홍보했으니 상처받은 동심을 어찌할 것인가. 그 사정은 <괴물들이 사는 나라>도 다르지 않다. 이 영화는 아이들이 봐봐야 원작보다 훨씬 흉포해진(!) 주인공 맥스의 나쁜 행동 밖에 배울 게 없다. 원작과 달리 맥스는 반성하지도 않고, 얻은 교훈도 없다. 오히려 늘 하던 대로 멋대로 살다 보니 별 희한한 놈들 만나서도 기죽지 않고 즐거운 날들을 보낼 수 있었다. 맥스는 파악 불가능한 꼬마다. 영화의 감독 스파이크 존즈는 아이들을 위한 영화가 아니라 아이들에 대한 영화를 만들겠다고 했고, 말 그대로 '아이'는 처음부터 끝까지 멋대로다. 영악하고 인정사정 없다. 잘 놀다가 덜컥 집에 가겠다고 하면서도 아무런 동요도 없다. 비록 원작에 비해 투쟁에 가까운 현실로 돌아가야 하지만, 그래도 맥스는 망설이지 않는다. 이 녀석은 꿈 속 네버랜드와 앞으로 살다가 늙어 죽어야 할 세계의 차이를 처음부터 알고 있었던 것이다.

  남은 거라곤 괴물들이다. '작은 놈들'. 꼬마가 떠날 때 가지 말라고 붙잡던 놈들. 허리춤까지 바닷물이 차오르자 이내 포기하고 망연히 맥스를 바라보는 놈들. 작별인사인지 잡으려는 마지막 시도인지 알 수 없이 치켜든 한 팔. 영화 속 세상 모든 것을 본능적으로 꿰뚫고 있는 맥스가 유일하게 모르는 것이 바로 이놈들과의 미래다. 이제 이놈들을 다시는 만날 수 없을 거란 사실, 그래서 오래간 잊었다가는 가끔 야근에 지쳐 선잠을 잘 때 잠시 스쳐 지나가는 게 전부일 거라는 사실 말이다. 

  맥스는 괴물들에게 '너네한테도 엄마가 있었으면 좋겠어'라고 말한다. 여기서 엄마는 중산층 가정의 따뜻한 어머니를 뜻하는 게 아니다. 영화 속의 맥스 모친께서는 성격이 만만치 않으시다. 맥스의 저 대사 속 '엄마'는 말 그대로 절대적이고 당위적인 존재다. 엄마는 하늘이 나와 맺어준 사람이다. 신이라고 바꿔 말해도 상관없다. 마땅히 원래부터 있어야 할 것. 세계의 중심. 삶의 의미. 이 '작은 놈들'은 그런 것 하나 없이 고독과 싸우며 생애를 하루씩 연장하고 있을 뿐이다. 그러다 이제 겨우 재밌어지나 했는데, 간다니. 네가. 내가 널 얼마나 좋아했는데. 그게 얼마나 힘든 일인지 아니? 맥스는 알 수 없다. 어른이 되어보지 못했으니까. 어떤 의미가 생길 정도로 특별한 존재를 만나고, 또 그것을 잃는 게 무엇인지 아이는 아직 모른다. 그러나 괴물들은 알고 있다. 스크린을 통해 자신들을 보고 있는 어른들처럼. 

  이 영화를 보는 어른들은 한때 괴물들을 섬 속에 버려두고 온 아이들이었으며, 언젠가부터는 그 자신이 섬에 남아 수평선을 바라보는 괴물이 되었다. 은근히 채도를 줄여 을씨년스런 느낌이 드는 이 섬은 어른들의 섬이다. 어릴 적 버려두었던 섬, 그리고 이제는 자신이 그 안에 걸터앉아 그 무엇을 영원히 기다리는 섬. 그래서 과거와 현재의 자신이 서로 맞딱드리는 섬. 어디에나 있는 아주 작고 영원한 섬 말이다. 

-외국소설 MD 최원호 

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[원작 vs 영화] 피아노 치는 여자 (피아니스트)

원작 vs 영화 

원작- 피아노 치는 여자 (엘프리데 옐리네크) 

영화- 피아니스트 (미하엘 하네케) 

            

 소시민은 변태를 비웃는다

 -저기 영화 포스터를 보시라. 뒤로 길게 뺀 이자벨 위페르의 깡마른, 약간 휜 왼쪽 다리. 검은 옷과 완벽하게 다듬어진 머리칼. 흑백 패턴의 화장실 바닥. 같은 각도로 열린(즉, 같은 패턴의) 흰색 문과 흰 벽. 사람의 피부를 제외하면 모든 것이 흑백으로, 일정한 패턴으로 정렬되어 있는 섬짓함. 심지어 등을 돌린 남자조차 마그리트의 그림 속 누군가처럼 보인다. 자칫 스탠리 큐브릭의 영화로 오해할 수도 있는 이 강박적인 한 장면이 이 영화와 원작을 '이미' 잘 설명해준다. 저 포스터는 불길하다. 편집증을 불러 일으키는 정신적인 압력이 팽팽하다. 절대 구겨지지 않을 것같은 포스터. 

  그렇다. 원작소설이건 영화건 (보통 쓰이는 의미에서) 정상이 아니다. 여주인공 에리카는 강박증의 화신이면서 동시에 성욕의 화신이다. 그녀의 강박증은 세상 모든 것에 영향을 끼쳐서 대인관계에조차 '시스템'을 설정한다. 당연히 정서적 유대 같은 불안정한 패턴에는 관심이 없고, 덩달아 섹스에도 그다지 흥미가 동하지 않는다. 흥미가 없다기보다는, 섹스에는 뭔가 너저분한 부수적인 것들이 너덜거린다. 의식적으로 그 장애물을 돌파한 뒤에는 섹스는 이미 섹스가 아니다. 매번 혐오를 정면 돌파해야 하는 성행위는 그저 고통일 뿐이다. 그녀는 섹스의 화신이면서 동시에 섹스는 그녀가 이룰 수 없는 행위다. 그러면 어떡하는 게 좋을까? 에리카는 성욕을 해소할 수 있는 다른 행위들을 개발한다. 이 '색다른 성욕 해소 액션'은 소설에서건 영화에서건 부지기수로 등장한다. 휘황찬란하다.

  왜 그렇게 되었나? 틈틈이 단서들이 주어진다. 에리카는 어머니와의 관계에 문제가 있다. 어릴 적부터 정서적으로 압력을 계속 받고 살았다. 아, 그래서 불우한 유년 시절이 이 여자를 삐뚤게 만들었구나. 라고 생각하지 마시라. 이 소설/영화는 그렇게 만만치 않다. 에리카의 변태적 행위는 충동적이지 않고 완전히 계산되어 있다. 아무것도 그녀를 상처입히지 못한다. 그녀는 완전히 안전한 세계에서 자신만의 방식으로 섹스를 즐기며, 그 방식도 오감을 서로 다른 방법으로 자극할 수 있는 다양한 것들이다. 이성의 완전한 조절 아래 감각의 최대치를 개방해내기.

  이성의 완전한 조절 아래 감각의 최대치를 개방해내기. 이것은 또한 세상 모든 피아니스트들에게 요구되는 조건이다. 피아노는 글렌 굴드의 말에 따르면 가장 통제하기 힘든 악기다. 피아노는 피아니스트가 10을 입력한다고 10을 출력해주는 악기가 아니다. 거기에는 메카니즘과 그 이상의 '무엇'이 있으며, 그 황금 열쇠를 찾는 여정이 바로 피아니스트의 삶이다. 에리카는 거의 열쇠를 찾을 뻔했던, 지금은 영감을 상실한 피아노 교수다. 그러나 그녀는 피아니스트의 황금 열쇠를 자기 안에서, 피아니스트가 되기 전부터, 피아니스트를 포기한 뒤에도 찾고 있다. 무너져버린 과거들과 강박적인 현실 속에서 '그 무엇을 탐구하기'. 따라서 얼핏 불쾌해 보이는 그녀의 행위들은 결코 단순한 변태 엽색 행각이 아니다. 에리카는 욕망 앞에 무너지는 법이 없다. 그녀는 자신의 욕망을, 그 격정을 물끄러미 바라보고 관찰하고 실험한다.

  독자/관객들이 불쾌한 것은 에리카의 변태적 행동에 '왜'가 빠져있기 때문이다. '그렇다고 해서 하필 왜 그런 행동을 할까'에 대한 답은 없다. 에리카도 소설가도 감독도 입을 다문다. 아니, 설명할 필요를 느끼지 못한다. 설명은 원래 불가능하다. 왜 스비야토슬라프 리히터의 어떤 베토벤 소나타 30번 2악장은 그렇게 느릴까? 어째서 그 순간 그런 선택을 했을까? 즉흥적인가? 즉흥적이라면, 그는 원래 즉흥적인 사람인가? 아니다. 피아니스트 리히터와 1963년 11월 28일 라이프찌히 실황공연의 리히터는 같은 사람이지만 그 둘은 또한 다르다. 그날의 베토벤은 왜 느렸는가? 그날은 그렇게 되었어야 했던 것이다. 에리카 역시 피아니스트다. 어떤 날은 휴지에 묻은 정액 냄새를 맡고, 어떤 날은 핍쇼를 보고(그러나 모든 감각을 이용할 것), 어떤 날은 드라이브인 씨어터에서 다른 커플을 엿보며 오줌을 눈다. 절대로 자신을 잃지 않으면서. 통제하면서. 섹스를 음악으로 표현한 경우는 많았지만, 에리카는 그 '음악가'의 본질에 가장 가까이 다가가 있는지도 모른다. 아니, 분명히 그렇다. 대개의 경우가 그렇듯이 에리카(와 엘프리데 옐리네크)는 그들을 손가락질하는 사람들 너머의 존재다. 탐구자들. 미네르바의 부엉이를 한쪽 어깨에 올려놓고 자위행위를 하는 사람들. 피아니스트.

  소설과 영화 둘 다 매우 흥미로운 작품이다. 소설은 냉정하게 절제된 서술로 휘황찬란한 행위들과 강박증 사이를 오가며, 영화는 이자벨 위페르의 신경질적인 한 톤 높은 목소리와 강박적인 미장센으로 고도의 압박 작전을 펼친다. 굳이 점수를 주자면 영화에 보너스를 줄 수밖에 없다. 왜냐하면 음악을 직접 들을 수 있으니까. 메인 테마나 다름없는 슈베르트의 피아노 3중주 D.929의 2악장, 그리고 '영원히 반복될 것같은' 슈베르트 소나타 D.959의 잔향은 관객들이 에리카를 이해하는 데 하나의 실마리가 된다. 그렇다.

  그녀는 슈베르트를 좋아한다. 
 

-외국소설MD 최원호  

p.s: 엘프리데 옐리네크의 소설들이 꾸준히 국내에 출간되는 이유는 알 수 없다. 상을 많이 타서가 아닐까 싶다. 그러나 꾸준히 변태적인 그녀의 소설을 이해하지 못하는 사람들은 그녀를 앞으로도 이해할 가능성이 별로 없다. 이미 독자 자신이 그 세계를 이해하려는 시도조차 불쾌하게 여기기 때문이다. 어쩔 수 없다. 소시민을 위한 소설이 있고, 안 소시민을 위한 소설도 있는 것이다. 최소한도로 이 작품을 폄하해서 '세기말 현대 사회의 광증'이라고 하더라도, 이만큼 강렬한 광증을 보는 것만으로도 흥미롭지 않은가? 세기말 현대라는 건 바로 우리가 살고 있는 지금 이 세계니까. 

p.s2: 물론 영화 역시 막장이라고 욕을 많이 먹었다. 그렇다 치자. 그러나 art는 예술이면서 동시에 장인의 경지에 오른 기술을 뜻하기도 한다. 이 영화는 장인의 경지에 오른 최고급의 막장극이다. 이보다 더 '아트 무비'에 부합할 수 있겠는가 말이다. 

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[원작 vs 영화] 신 기생뎐 (드라마 특집)

원작 vs 영화 

원작- 신 기생뎐 (이현수)

드라마- 신 기생뎐 (이영희, 손문권 / 극본 임성한)

 

짝짝짝!

  욕망이 불꽃이 떠난 주말 드라마계의 왕좌를 차지한 드라마가 있다. 막장(!)계에서 일가를 이룬 드라마 작가 임성한이 선보이는 <신기생뎐>이 그것. 재벌 2세와 계모와 출생의 비밀에 지레 기함해 원작에 손을 대지 않기엔 이 소설이 너무 아깝다.

  소설의 중심은 군산의 기생집 ‘부용각’이다. 전국의 돈을 모두 벌어들이고 있다는 질시도 옛날, 이제는 몰락만을 기다리고 있는 마지막 기생집이다. 소설은 부용각 사람들의 면면을 품격있는 문장으로 서술한다. 평생 음식만 만들어온 부용각 주인 부엌어멈 타박네와 전국에 이름을 떨친 소리기생 오마담, 영욕의 세월을 지나온 부용각을 마지막까지 잇게 될 춤기생 미스 민, 오마담의 기둥서방과 오마담만을 바라봐온 집사까지. 부용각 사람들은 곧 스러질 부용각을 이루고 있다. 어떤 위기의식도 없이. 분노와 슬픔도 없이. 열정도, 애정도 아닌 평상심으로.

  누군들 아름답고 신성한 사랑을 꿈꾸지 않겠나. 욕된 세월도 세월은 세월이듯이 욕된 사랑도 사랑은 사랑인 것이야. 고백하자면 나는 눈을　뽑아버리고 싶은 적도 있었네. 다시는 앞을 보지 못하도록 눈알을 파내고 싶은 적이 있었어. - 153쪽.

  가장 좋았던 장은 ‘집사의 사랑’이었다. 능소화 향에 취해 부용각에 발을 디딘 이래, 평생을 오마담을 바라만 봐 온 집사. 그는 평생을 애초에 손님으로 부용각을 방문하지 못한 스스로를 원망하며, 오마담의 기생의 일생을 바라본다. 스러져 가야 할 그녀의 일생을 마지막까지 지키겠다는 우직한 열정. 그러나 매일 같은 자리에 꿀물을 놓아둘 정도로 그녀를 증오하는 그의 모습은 선덕여왕을 연모해 불로 화하고 만 지귀의 정념을 닮았다.

  나는 이런 소설이 좋다. 선악의 영역이 아닌, 미추의 영역에 자리한 소설. 소담한 문장으로 삶의 한 풍경을 그저 그려내는 소설. 머리를 올리는 기생과, 사랑을 얻기 위해 물속에 몸을 던진 어린 기생 채련, 끝내 기생의 생을 벗어나지 못하고 기둥서방 사이를 전전하는 오마담. 이들은 확실히 옳지 않다. 그 옳지않음의 대가로 이들은 천대당하고, 사라짐의 운명을 감내해야 한다. 그러나 사라져가는 것이 어디 기생들뿐이랴. 이 소설은 은근한 맛으로, 사라져가는 것들의 마지막 모습을 보여준다. 흐릿하고 푸르고 먼 안개 같은 모습으로. 보이지 않는 그 마지막을.  

-국내소설/시 MD 김효선 님의 특별기고 

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